Die Erstausgabe der Romanvorlage von F. Scott Fitzgerald liegt nun bereits 88 Jahre zurück. Damals gehörte Jazz noch zum guten (gesellschaftlichen) Ton und Lebemänner zeichneten sich durch Stil und pompöses Auftreten aus. Die Geschichte um den jungen, mysteriösen Millionär Jay Gatsby und seine unstillbare Passion für die bezaubernde Daisy Buchanan wurde bereits diverse Male (darunter 1974 mit Robert Redford und Mia Farrow) verfilmt. Der australische Regisseur Baz Luhrmann, bekannt durch Filme wie “Romeo und Julia“, “Moulin Rouge“ und “Australia“, ließ es sich dennoch nicht nehmen seine ganz eigene Interpretation dieses Buches auf die Leinwand zu bringen. An seiner Seite Leonardo DiCaprio, mit dem er bereits 1996 gedreht hat, und als ein Ausführender Produzent: US Rapper und Businessman Jay-Z. 

Mit Letzterem realisiert er auch über 2 Jahre hinweg den offiziellen Soundtrack zum Film. Gewagt, gegensätzlich und stimmungsvoll. Es gelingt beiden tatsächlich den Geist der 20er mit zeitgenössischen Klängen zu fusionieren. Die Auswahl der Künstler ebenso vielfältig wie die darin versponnen Musikgenres. Hip Hop (100$ Bill, Jay-Z), Baroque Pop (Over the love, Florence + The Machine), Trip Hop (Hearts a mess, Gotye), Indie/Dream Pop (Together, The xx) oder Art Rock (Love is the drug, Bryan Ferry with The Bryan Ferry Orchestra). Gelungen auch die vielseitigen Coverversionen, die den Originalen nicht nur eine neue Gestalt verleihen, sondern ihnen qualitativ annähernd gerecht werden. Da wären z.B. die düster-pulsierende Neuinterpretation von Amy Winhouse “Back to black“ von Beyoncé & André 3000 oder das 90 Jahre in die Vergangenheit gereiste “Crazy in love“ von Emeli Sandé and The Bryan Ferry Orchestra. Lediglich “Bang Bang“ (will.i.am) und “A little party never killed nobody (all we got)“ (Fergie, Q-Tip, Goonrock) biedern sich, bei allen 20s Samples, ein wenig zu sehr an einfache Elektro Hop Standards an. Den leisen Ausklang überlasst man der wundervollen Sia, die mit “Kill and run“ aus einem aufregenden Album entlässt, das Film und Wohnzimmer gleichermaßen gerecht wird. 

Anspieltipps: “100$ Bill“, “Young and beautiful“ und “Crazy in love”

Note: 1,8

Trackliste:
1. Jay-Z – 100$ Bill
2. Beyoncé & André 3000 – Back to black
3. will.i.am – Bang Bang
4. Fergie & Q-Tip & GoonRock – A little party never killed nobody (all we got)
5. Lana Del Rey – Young and beautiful
6. Bryan Ferry & The Bryan Ferry Orchestra – Love is the drug
7. Florence + The Machine – Over the love
8. Coco O. (Quadron) – Where the wind blows
9. Emeli Sandé & The Bryan Ferry Orchestra – Crazy in love
10. The xx – Together
11. Gotye – Hearts a mess
12. Jack White – Love is blindness
13. Nero – Into the past
14. Sia – Kill and run

http://www.universal-music.de/the-great-gatsby/home

Schluß mit lustig. Die einst so neutral-zurückhaltende Schweiz macht sich auf den hiesigen Musikmarkt aufzumischen. Diese Tendenz unterstreichen nicht nur die Gewinner der letzten Casting Shows in Deutschland (DSDS, The Voice Kids, X Factor 1. Staffel), sondern lässt sich auch anhand der zunehmenden Promothemen der benachbarten Willensnation nachzeichnen. “TinkaBelle“ verdanken ihren Namen dem Schweizer Bluegrass Sänger Handsome Hank, der in einem erleuchteten Moment gewisse Ähnlichkeiten zwischen Frontdame Tanja Bachmann und der Fee aus Peter Pan erkannt zu haben schien. Die Mitglieder selbst aber nicht aus Nimmerland, sondern aus der Region Luzern/Zürich/Aargau. Seit rund vier Jahren feilen sie an ihrer eigenen Interpretation von charmanter Popmusik.Dazu gesellen sich Elemente aus Country und Folk – auf der einen Seite den amerikanischen Radiogewohnheiten, auf der anderen unverkennbar dem Geist der grünen Insel zugeneigt. Mit dem ersten Album “Highway“ (2010) sogleich auf Platz 2 der Schweizer Charts und für seine Single “You get me“ bittet kein Geringerer als Seal die Sängerin zum Duett.  

Nun also der leichtfüßige Übergang zu den Nachbarn. Bereits die beiden Opener stellen die Weichen für den weiteren Verlauf. “Follow your heart“ hinterlässt einen Gruß bei den “Corrs“, während “My California“ die sonnige Antwort auf Shania Twain liefert. Eingängige Radiosongs, oft in weniger als 3 Minuten erzählt und damit auf leichte Bekömmlichkeit getrimmt. “Ein Plädoyer für die Liebe und eine positive Lebenseinstellung“. Von der akustisch gehaltenen Ballade “Ireland“ bis zum breit angelegten Stadion Pop der Marke “Stay on“. Bisweilen wirkt das Ganze jedoch zu glatt, um am Hörer haften zu bleiben. Gerade Freunde besagter Vergleichskünstler und traditionellen, irischen Instrumenten wie Uillean Pipes, Irish Box, Bouzouki dürfen sich aber gerne von der talentierten Fee und ihren verlorenen Jungs verzaubern lassen.

Anspieltipps: “Follow your heart“, “My California“ und “Stay on“

Note: 2,9

Trackliste:
1. Follow your heart
2. My California
3. Me and the moon
4. Stay on
5. On my way
6. New start
7. The train rolls on
8. No compromise
9. The answer
10. Save me
11. Ireland
12. Where you belong

Bandmitglieder:
Tanja Bachmann – vocals, guitar
Res – banjo, acoustic guitars, dobro
Lukas Schwengeler – electric guitars, slide guitars, acoustic guitars
Marcel Zimmermann – fiddle, mandolin
Thomas Kull – keyboard, acoustic guitar, accordion, backing vocals
Sandra Merk – bass
Andy – drums

http://www.tinkabelle.net/

Spätestens mit der Veröffentlichung seiner Alben “Man on the Moon: The End of Day“ (2009) und “Man on the Moon II: The Legend of Mr. Rager“ (2010) hat sich Scott Ramon Seguro Mescudi, besser bekannt unter dem Namen Kid Cudi, als bescheidener, lyrisch durchdachter Geschichtenerzähler profiliert. Auch wenn Elektro/House Remixe wie “Day ’n’ Nite“ (Crookers) oder “Pursuit of happiness“ (Steve Aoki) unzählige Clubs in Ekstase versetzt haben, stehen die Originale doch mehr für einen nachdenklichen MC. Zwischen skurriler Spaceodyssey und synthetischem Hip Hop vermittelt er ein Gefühl von Schwerelosigkeit. Die Zusammenarbeit mit Kanye West dabei immer wieder zu spüren, fühlt man sich doch häufig an die “808s & Heartbreak“ Tage erinnert.

Während die beiden Vorgänger als Teil der “Man on the Moon“ Trilogie zu verstehen sind, liefert er, vor Abschluß, mit “Indicud“ einen weiteren Einblick in seine ganz eigene Realität. Selten haben sich Alternative, Pop und Rap gleichzeitig gebissen und dabei so gut harmoniert. Diesem Motto bleibt er auch auf seinem dritten Album treu. Keine Angst vor Experimenten und ungewohnt offensiv in seiner Vermarktung. “Das Album wird meine Version von Dres 2001 sein.“ Für solch einen Vergleich gerät die Platte in Sachen Stil und Herangehensweise vielleicht doch zu speziell. Auch wenn er selbst rund 80 Prozent der Produktionen beisteuert. Kid Cudi bleibt jedoch Liebhaberthema. Davon gibt es zwar mittlerweile viele, aber zu verschachtelt, auf der anderen Seite monoton, präsentieren sich Songs wie “Unf***wittable“, “King Wizard“ oder “Mad Solar“. Lang gezogene Vocals und schräge Synthesizerelemente strapazieren manchen Nerv. Wären da nicht immer wieder eingängige/gesungene Ausflüge im Stile von “Immortal“ (enthält einen Sample des MGMT Tracks “Congratulations”), “Red Eye“ (feat. Haim) oder das funkige “Cold blooded“. Die Single “Just what I am“ (feat. King Chip) die musikalisch leibhaftig gewordene Droge. Psychedelisch, berauschend, Kid Cudi. Welcher Künstler kann sonst von sich behaupten Kendrick Lamar, Too $hort, RZA und Michael Bolton auf einem Album zu vereinen. Genregrenzen sind für den Mann aus Cleveland, Ohio ohnehin Schall und Rauch. “Game-Changer“? Eines Tages, vielleicht. Bis dahin einfach eine Klasse für sich.

Anspieltipps: “Just what I am”, “Young Lady” und “Red Eye”

Note: 2,0

Trackliste:
1. The Resurrection of Scott Mescudi
2. Unfuckwittable
3. Just what I am (feat. King Chip)
4. Young Lady (feat. Father John Misty)
5. King Wizard
6. Immortal
7. Solo Dolo, Part II (feat. Kendrick Lamar)
8. Girls (feat. Too Short)
9. New York City Rage Fest
10. Red Eye (feat. Haim)
11. Mad Solar
12. Beez (feat. RZA)
13. Brothers (feat. King Chip and A$AP Rocky)
14. Burn Baby Burn
15. Lord of the Sad and Lonely
16. Cold Blooded
17. Afterwards (Bring yo friends) (feat. Michael Bolton and King Chip)
18. The Flight of the Moon Man

http://www.kidcudi.com/

Es passiert wohl höchst selten, daß eine Schweizer Band erste Anerkennung in den USA erhält, bevor sich ihr Sound auf dem eigenen Kontinent verbreitet. Dem ist den “Phonoflakes“ aber so geschehen. Und so blickt man nicht nur auf wiederholte Auftritte auf dem berüchtigten Burning Man Festival in Nevada zurück, sondern kann sogar einen Gig im legendären Viper Room (Los Angeles) vorweisen. “Female-fronted Rockbands“ gibt es nicht alle Tage. Ob nun mangels breiter Akzeptanz oder fehlender Motivation. Das Quartett aus Zürich stemmt sich gegen Vorurteile oder Klischees und steht für einen zünftigen Alternative Rock Sound mit Popappeal.

Mit “7.30 and Edinburgh“ folgt das scheinbar überfällige Debütalbum. Und man merkt ihm von Beginn an die gewonnene Reife durch Auftritte vor internationalem Publikum an. Da stand wahrscheinlich  manch College/Alternative Rock Radiostation dem Songwriting Pate. Und so üben sie sich ab dem Opener im Aufbereiten großer und kleiner Wellenbrecher. Eingängig, aber ohne zu sehr in Popgefilde abzudriften. Die Gitarrenkanten vorhanden, aber phasenweise geschliffen, um die charismatische Stimme der Frontsängerin nicht zu überlagern. Weder “Paramore“ noch “Evanescence“, und doch irgendwie zwischen beiden zuhause. Das Niveau gleich bleibend gut und mit kleinen Hits wie “Josephine“ gespickt. “Lose myself“ schlittert elegant an “The Corrs“ Niveau vorbei. “Rhythm of my soul“ und “Strength“ täuschen eine Ballade an und brechen doch immer wieder aus. Die gibt es aber dann mit “Lost“ tatsächlich. Wer nach einer Schweizer Antwort auf die “Guano Apes“ gesucht hat, wird sie mit den “Phonoflakes“ finden. Und das ist in diesem Fall keinesfalls negativ behaftet gemeint. 

Anspieltipps: “Who is in charge“, ”Josephine” und “Don’t tell the truth”

Note: 2,6

Trackliste:
1. Who is in charge
2. Josephine
3. Lose myself
4. Rhythm of my soul
5. Strenght
6. Lost
7. Incompatible
8. My side of the story
9. Don’t tell the truth
10. Change your mind
11. Hands on you
12. Don’t you wonder
13. Lose myself (Radio Edit)

Bandmitglieder:
Melanie Schweickardt – vocals
Dave Meier – bass, backing vocals
Roman Dähler – drums
Oliver Scolaro – guitars, backing vocals

http://www.phonoflakes.com

Kalt, düster und unnahbar – so wirkten in den 80ern viele New/Dark Wave Projekte. Farben waren Mangelware. Melodien in künstliche Synthesizerelemente versponnen. Nach dem Motto “Alles kommt irgendwann wieder in Mode“ hat sich das Luxemburger Duo eben diesem (Sound-)Image verschrieben. 2010 gegründet, jedoch bereits mit gemeinsamer Bandgeschichte, bewegen sich Michel Flammant und Natalie Pickar auf schwarzen/weiß gefärbten Klangwellen, die sich trotz ihrem minimalistischen Charakter atmosphärisch ineinander verschachteln. Damit bereits im Vorprogramm von Acts wie Anika, The Soft Moon, Zoot Woman und  Clock Opera auf der Bühne. Auf CD gepresst gibt es erstmalig mit der EP “Unduriel“ die Möglichkeit die eigenwilligen Kompositionen zu erfahren. Analoge Synthesizer treffen auf androgyn anmutende Vocals.

Diesem Schema wird auch auf dem Nachfolger “Songs of Endings“ gefolgt. Bereits der Titel, nebst farblos gehaltenem Cover, vermittelt den Eindruck gewisser Negativität. Dieser deckt sich mit der Wirkung der Songs “Warriors“, “Chtulhu“ oder “Out here“. Praktisch emotionslos legt Natalie Pickar ihre Stimme auf Beat Maschine und Tribal Drums. Mehr 70s Psychedelic als 80s Pop. Künstliche Welten werden geschaffen und in den Weltraum geschickt. Ein musikalisches Lächeln sucht man dabei vergebens. Pulsierend, keine Frage, aber ständig mit lauernder Absicht und einen Schauer über den Rücken verursachend. Lediglich “I should love her“ bricht mit melodischem Synthesizerspiel aus dieser Linie aus. Und plötzlich scheint auch der Gesang nicht mehr ganz so unterkühlt. Mehr von diesen “Weichmachern“ und man hätte einen leichteren Zugang zum “Plankton Waves“ Universum. So bleibt es eine sperrige Angelegenheit, die offensichtlich nicht gerade nach Zuneigung schreit.
 
Anspieltipps: “I should love her”

Note: 3,4

Trackliste:
1. Warriors
2. Chtulhu
3. Out here
4. I should love her
5. World’s end

Bandmitglieder:
Michel Flammant
Natalie Pickar

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Stilistisch bewegt sich das Trio im Indie Rock mit Folkrock-Gewand vergangener Zeiten. Die Stimme von Frontfrau Sara Wilson ist klar und zart und leitet „Move Forward“ als Opener mit viel Feingefühl ein. Das Instrumentarium unaufdringlich, die Stimme sich ins Ohr eingrabend, plätschert der Song süß dahin und schmeichelt sich förmlich beim Hörer ein. Anders „I Wanna Know“ der eher auf Ohrwurm als auf Schmeicheleien baut. Dynamisch zackig mit einer Kombination aus Neugier und Drang aufgebaut, geht dem Refrain voran, der derartig schnell immer wieder wiederholt wird, dass es schwer ist, „I Wanna Know“ wieder aus dem Kopf zu streichen. „Lazy Days“ hat sich im Intro eindeutig bei „Main Offender“ von The Hives bedient und führt den Song zumindest gesanglich ähnlich stark vor. Man fühlt sich an eine weibliche Version von Pelle Almqvist erinnert und das gefällt. Ich persönlich habe mir gewünscht, dass der The Hives Sänger jeden Moment auf dem Woodlands Track in Erscheinung tritt. Leider wurde ich hierbei enttäuscht. Nichtsdestotrotz ist der Song eingängig, zum Tanzen animierend und stark. Der gefühlte Frohsinn taucht spätestens bei „Housebuilding“ ab. Eine Herzschmerzballade, die mitten ins Herz trifft und im Mittelteil mit einem kratzbürstigen E-Gitarrensolo das tiefe Leid wiedergibt. Für meinen Geschmack etwas zu herz- und trommelfellzerreißend. Das Gefühl des Songs wird jedoch transportiert – bis aufs Äußerste hörbar gemacht. Entschädigt für diesen Belastbarkeitstest werden wir mit der zuckersüßen Leadstimme von Sara Wilson in „River Running Wild“, die jedoch auch hier entgegen der Stimmfarbe keinen süßen Text vorzuweisen hat. Es fällt auf, dass sich das Trio sehr stark mit Verlust, Leid, Unverständnis und Herzschmerz befasst. Dies jedoch häufig in ein weiches Gewand packt, das den Anschein erweckt als würden die besungenen Gefühle sehr kopflastig und weniger überemotional interpretiert. Trotz der sehr vernunftsgesteuerten Interpretation verstehen sich Woodlands darauf die Gefühlswelt passend zum Songtext durch instrumentelle Finesse auszudrücken. Und das macht insgesamt durchaus Spaß.

Der Oldschool-Klang gefällt, ebenso die schöne Leadstimme. Die Übermotivation einiger E-Gitarrenriffs sind der Sängerin damit dann auch verziehen – auch wenn sie den Sound unsauber machen. Aber gerade das  macht einen nachhaltigen Eindruck, der den Woodlands zwar nicht die Höchstpunktzahl in der Bewertung, jedoch Sympathiepunkte mit sich bringt. Mit Ecken und Kanten, Gefühl und Verstand schaffen sie es damit sich irgendwie ins Herz zu spielen. Hört also selbst was das Trio zu bieten hat.

Anspieltipps: I Wanna Know, Housebuilding und Kids

Note: 2,2

Trackliste:
1. Move Forward
2. I Wanna Know
3. Lazy Days
4. Dark Clouds
5. Housebuilding
6. River Running Wild
7. Cheap Cigarettes
8. On The Run
9. Kids
10. Make It Through

Bandmitglieder:
Sara Wilson – vocals, guitar
Niklas Korssell – drums
Marcus Holmberg – bass

http://www.woodlands.nu/
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Singer/Songwriter gibt es im Musikbusiness wie Sand am Meer. Dennoch haben Männer mit Gitarre und Gefühl eine starke Präsenz und Durchschlagskraft und erfreuen sich einer ungeheuren Beliebtheit. Dies hat spätestens Nick Howard im letzten Jahr mit seinem Sieg bei The Voice Of Germany bewiesen. Authentizität und Simplizität sind dabei die Schlüssel zum Erfolg. Der New Yorker David Jonathan möchte eben mit diesen beiden Eigenschaften punkten und bringt dieses Frühjahr mit „Catskill“ seine EP heraus. Der Musiker, der zuvor bereits mit seiner Band Napoleon u. a. bei Rock am Ring gespielt hat, baut dabei auf einfache Beats und Charme.

Seine Single „Go Baby Go“ startet sehr poppig, mit einem gute Laune Beat, der nicht so richtig zu den Lyrics passen will und dennoch durch den gewissen Überschwang überzeugt. Ein fantastischer Grundsound, der immer wieder durch einen tollen Einschub unterbrochen wird. Darauf ist dann beinahe schwach die Leadstimme gelegt. Doch gerade dieser Hauch an Stimme, der über dem Sound liegt, macht den Song stark. Ganz anders „Volunteer“, der seinen Fokus eindeutig auf David Jonathan hat, dabei viel mit seiner Stimme experimentiert – zwischen Beatbox, Hauchen, Geträller und allen voran butterweichem Gesang ist alles an Variationsreichtum vertreten. Sehr wild, spannend und mutig. Ein Song, der sofort das Interesse weckt und auch nach mehrmaligem Hören nicht langweilig wird. Im Gegenteil, man lernt bei wiederholtem Hinhören, die verschiedenen Elemente erst richtig zu schätzen. Fast langweilig erscheint einem da die fast geradlinige Ballade „I’m Sorry“. Dennoch ist auch der Song handwerklich sehr gut aufbereitet, ergießt sich gegen Ende aber leider in einem zu langen, mehrstimmigen Chor. Der Abschluss in „Mackerel“ ist eine Midtemponummer, die die verschiedenen Elemente der drei vorangegangenen Tracks in sich vereint: mehrstimmiger Chor, butterweicher Gesang und starker Grundsound.

Es macht einfach Spaß David Jonathan zuzuhören, da er anders als viele seiner Singer/Songwriter-Kollegen keine 0815-Balladen zum Besten gibt, sondern gut überlegten und teilweise doch zusammen gewürfelten Midtempo-Pop präsentiert, der durch geistreiche Umsetzung überzeugt. Hier und da klingt es zwar sehr nach Jamsession, doch gerade diese kleinen „unsauber“ zusammengestellten Komponenten geben dem Sound ihren eigenen Einschlag. Wer Experimentierfreude und Charme zu schätzen weiß, sollte bei David Jonathan mal genauer hinhören.

Anspieltipps: Go Baby Go und Volunteer

Note: 1,8

Trackliste:
1. Go Baby Go
2. Volunteer
3. I’m Sorry
4. Mackerel

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Passend zum frühlingshaften Picknickwetter verwöhnen uns fünf Jungs aus dem schwedischen Malmö mit bestechend sanftem Indie Pop. Der Vergleich mit einer weichen Wolke aus zwölf Tracks, die leicht melancholisch und doch leichtfüßig dahin schwebt, beschreibt das gleichnamige Debütalbum wohl am Treffendsten. Eingängig, unaufdringlich und ansprechend reiht sich dabei ein Song an den nächsten. Die Übergänge sind beinahe fließend und vermitteln einen kompakten Wohlfühlklang, der zum stillen Genießen einlädt.

„Rock’n'Roll Dreams“ ist ein unschuldiger, höchst sympathischer und süßer Track. Ein Song, der von tiefer Verbundenheit handelt. Mit ähnlichem Midtempoarrangement, weichen Gitarrenklängen und dezenten Drums schlägt auch „Stupid“ auf, der sich allerdings stimmlich sehr viel stärker zurücknimmt und beinahe hauchend die Lyrics zum Thema Veränderung von sich gibt. Beide Tracks verbindet nicht nur die Zurückhaltung, sondern auch das Feingefühl, das Yast zweifelsfrei bei ihren Tracks in den Vordergrund stellen. Ganz soft, vertraut und authentisch laden sie dazu ein ihren Erzählungen und Empfindungen zu folgen. Der Sound ist dabei sehr natürlich und schafft großes Wohlgefühl. Eventuell liegt ein Grund dafür – wenn man so will – in dem einheitlichen Klang ihrer Songs, die sich nur durch Nuancen voneinander unterscheiden lassen. Erst mit „Always On My Mind“ verändert sich der Sound durch den plötzlichen Einsatz einer kräftigen Stimmfarbe, die sich dominant im butterweichen Gefüge einnistet. Ungläubig oder besser verwundert über die plötzliche Tiefe der Stimme schreckt man nach knapp acht Songs voller Wohlgefühl auf. Der Track fällt definitiv auf und zeichnet eine neue Facette der Klangfarbe hinzu. Wie aus dem Schlaf geweckt, variieren nun plötzlich auch die nächsten vier Tracks in Stimmfarbe und instrumenteller Stärke – alles ohne befremdlich zu klingen. In „Strangelife“ präsentiert sich der Gesang glasklar und selbstbewusst beim Wechsel in die Kopfstimme. Die Ballade „The Person I Once Was“ hebt sich auch hiervon wieder sehr geschickt ab. Mit langen Instrumentalstrecken, wenigen, dafür stark nachhaltigen Worten überzeugt der Track durch Minimalismus.

Zusammenfassend kann man den fünf Schweden zu einem gelungenen, wenn auch nicht überragendem Debütalbum gratulieren. Denn Yast haben auf 12 Songs einige Emotionen, kleine Highlights und viel Wohlgefühl verpackt, die sich in ihrer Gesamtheit und bei dem derzeitigen Frühlingswetter fantastisch hören lassen.

Anspieltipps: Always On My Mind, Strangelife und Believes

Note: 2,5

Trackliste:
1. Yast
2. Rock’n'Roll Dreams
3. Stupid
4. Robin
5. Believes
6. Heart Of Steel
7. I Wanna Be Young
8. Always On My Mind
9. Strangelife
10. Sick
11. The Person I Once Was
12. Joy

Bandmitglieder:
Carl Kolbaek-Jensen
Tobias Widman
Marcus Norberg
Markus Johansson
Niklas Wennerstrand

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2011 sorgte der griechische Film „Dogtooth“ in der Kategorie bester fremdsprachiger Film für hitzige Gemüter. Das Familiendrama in dem drei Kinder abgeschottet von der Außenwelt in ihrem Elternhaus aufwachsen, sorgte aufgrund seiner Inszenierung, die als abartig und zugleich faszinierend beschrieben wird, für Gesprächsstoff. Mary Tsoni spielte darin eines der Kinder und gelangte zu einem gewissen Grat an Aufmerksamkeit. Für noch mehr Gesprächsstoff möchte die Schauspielerin heute allerdings mit ihrer Band Joalz sorgen.Ihren Auswahlkriterien beim Schauspielern scheint sie auch in ihrer musikalischen Ausrichtung treu zu bleiben, denn Joalz präsentieren eine sehr spezielle Art von Musik, die gleichzeitig skurril und fesselnd ist. Auf ihrer neuen EP „Hello Darkness My Friend“ hat die Kombo vier Songs zusammengestellt, die von einer speziellen Atmosphäre leben.

Gespenstisch beginnt „Oh Darlin’ Margaret“ mit einem hochsynthesizerfrequentierten Intro, das von schrammeligen E-Gitarren unterstützt wird. Hinzu kommt ein geisterhaftes Heulen, zu dem sich im Sprechgesang die Leadstimme von Mary Tsoni gesellt. Die Kombination aus allem lässt einem einen kalten Schauer über den Rücken laufen. Wenn man den Song in drei Worten zusammenfassen möchte, würde man sagen er ist unheimlich, beunruhigend und wirr. Es scheint als wäre der Sound aus einem fiesen Horrorfilm entnommen. Ob diese sehr eigenwillige Darbietung allerdings tatsächlich als Musik bezeichnet werden kann, muss jeder für sich selbst entscheiden. Für mich ist es lediglich ein finsteres Experiment, das höchstens auf eine dramatische Bühne oder in ein Gruselkabinett, aber nicht auf eine CD gehört. In „Text 1018“ übernimmt Sänger Vasia Bakoyianni das Sprachrohr, steht mit seiner Darbietung seiner Gesangspartnerin aber in Nichts nach. Allerdings ist „Text 1018“ in seiner Darbietung viel gradliniger, weniger dramatisch und in sich ruhiger. Mit „Alligator Wine“ wird eine Eigeninterpretation eines Jay Hawkins Songs dargeboten. Eine sehr theatralische, dunkle Überinterpretation. Dabei verabschieden sich Joalz erstmaliges vom reinen Sprechgesang und bieten eine sehr intensive Gesangsleistung.

Joalz bewegen sich in einer musikalischen Eigenwelt, die seine Liebhaber wahrscheinlich erst backen muss. Düstere Welten, wildes Bassspiel, viel Synthesizer sorgen für eine große Finsternis und lassen sich als düsterer und sehr experimenteller Psychedelic Rock mit viel Sprechgesang zusammenfassen.

Anspieltipps: Alligator Wine und Oh Darlin’ Margaret

Note: 3,7

Trackliste:
1. Outspoken You Are
2. Alligator Wine
3. Oh Darlin’ Margaret
4. Text 1018

Bandbesetzung:
Mary Tsoni – vocals
Vasia Bakoyianni – vocals
James Mc Ewan – Guitar
Iakovos Pavlopoulos – drums
Yiannis Bakoulis – Piano
Leonidas Segkas – synths

http://www.joalz.net/
http://www.myspace.com/joalz

Der Name Pedro Lehmann lässt auf einen Singer/Songwriter schließen, doch diese Annahme ist in diesem Fall falsch. Pedro Lehmann ist ein Pseudonym für die Schweizer Yannick Gächter und Sven Wüst, die bei ihrem Sound allerdings tatsächlich auf die Stärken setzen, die man einem Singer/Songwriter zuschreibt. Viel Gefühl, ein dezentes Instrumentarium (bestehend aus Gitarre und Schlagzeug), klare Lyrics und viel Sympathie sind demnach das Ergebnis auf ihrer EP „Lost Control“.

Und bereits nach dem ersten Reinhören muss man die beiden einfach lieben. „Ripe“ beginnt sehr verhalten mit einer langen E-Gitarreneinlage, die eine gewisse Spannung auf den Teil danach schürt. Überraschenderweise übernimmt Frontmann Yannick dann mit einer sehr ruhigen und zurückhaltenden Strophe, die immer noch ausschließlich von der dezent angespielten E-Gitarre begleitet wird. Nach Strophe eins kommt es dann zu einem spürbar deutlichen instrumentalen Einsatz, der in Strophe zwei wieder leicht abebbt. Ein sehr hochwertige Nummer, die durch Understatement überzeugt. In ähnlicher Beherrschung beginnt auch „Our Being Will Tear Us Apart“ – allerdings mit höherer Emotionalität, die sich weniger im Instrumentarium als in der Leadstimme widerspiegelt. Wer immer noch nicht überzeugt ist, sollte sich „Hurricane“ anhören und wird sich in den Sound verlieben. Mit größter Zurückhaltung reißen Pedro Lehmann den Zuhörer hierbei auf ihrer Reise mit. Die gefühlvolle Ballade fegt einem aus den Boxen entgegen. Man lässt sich zu gerne davon hinfort tragen. Einfach genial. Mit „She Lost Control“ zaubern die beiden Schweizer Jungs einen sanften und stilsicheren Ausklang.

Wer Lärm scheut und Sensibilität schätzt ist bei Pedro Lehmann an der richtigen Adresse. Der Sound ist bodenständig, ohne großen Aufreger, doch mit viel Sympathie und Qualität. Es macht Spaß den sechs Song zu lauschen. Ich persönlich wünsche mir gerne bald mehr von den beiden Herren.

Anspieltipps: Hurricane und Our Beeing Will Tear Us Apart

Note: 1,7

Trackliste:
1. Ripe
2. Our Being Will Tear Us Apart
3. Glory
4. Hurricane
5. Wasted Day
6. She Lost Control

Bandbesetzung:
Yannick Gächter – Vocals, Guitar
Sven Wüst – drums

http://www.pedrolehmann.com
https://www.facebook.com/pages/Pedro-Lehmann/161487333931759
http://www.myspace.com/pedrolehmann